In primis ci è sorto spontaneo chiedere quanto abbia influito l’esperienza del Complotto Grafico nelle loro vite e le risposte sono in sintonia. Per Garattoni è questione di “un approccio, un modo di vedere le cose maturato negli anni del complotto grafico aperto, disincantato che rispondeva poi al clima che stava nascendo in quegli anni, la new wave, un gran bulirone creativo che ho mantenuto nei miei lavori”. “Non potevamo essere definiti tecnici di qualche materia – aggiunge Sirotti – nessuno di noi aveva fatto studi specifici di grafica. Ci caratterizzava questo approccio di mescolanza che univa diverse forme di comunicazione, questo sguardo trasversale che ci permetteva di uscire dagli schemi e che permane tutt’ora”. “L’intenzione – osserva Ferroni – era che il nostro lavoro corrispondesse a un modo di vivere di tutti i giorni. Quella del Complotto Grafico era ed è una filosofia di vita che consiste nell’avere sempre un atteggiamento poco serio. È chiaro che, occupandomi di moda, sono costretto a seguire determinate tendenze, ma la voglia di sperimentare, il gusto del provare sono ancora vivi”. Garattoni asserisce: “si, è proprio vero, infatti ho sempre fatto solo ciò che mi divertiva. Anche a scapito del versante economico. I grandi oggetti per la spiaggia che sono stati esposti l’anno scorso in riva al mare (e che ora sono sviliti nelle rotonde) ne sono un esempio: è un approccio iconoclasta che fa molto Complotto Grafico”. Maurizio Castelvetro appare il più riflessivo e introverso del gruppo: “come architetto non ho realizzato molto proprio per il mio atteggiamento di ricerca molto spinto. Ho sempre messo in primo piano l’aspetto comunicativo, ovvero la necessità di stabilire un contatto profondo, non solo epidermico, con lo spettatore. Mi ricordo che già ai tempi del complotto usavamo la tecnica del brainstorming, il motore era sempre Sauro Fiori. Venivano fuori un sacco di idee, anche follie ma che portavano a progetti forti, validi”. Sirotti trova sfogo all’edilizia precettata (“ci sono regole ferree ma quando c’è la possibilità mi piace divertirmi per fare cose che altri riterrebbero senz’altro irriverenti”) nella pittura: “nella mia pittura permane lo spirito del Complotto, non catturo mai dei bei soggetti, sarebbe banale, come se Stefano dovesse immortalare Naomi Campbell, cerco di far emergere la forza della pittura calcando l’attenzione su atmosfere metafisiche, surreali, non belle di per sé”. E quando chiediamo che ne pensano dei creativi di oggi la risposta è unanime: “la mancanza di mezzi degli anni ‘80 costringeva a riflettere, facevamo di necessità virtù. Oggi il progetto coincide per lo più col prodotto, non c’è più la sorpresa, si vede già il risultato sul computer che spesso è meglio di quello stampato”.

E poi che dire, impossibile riportare su carta i “Ma ti ricordi quando Castelvetro è rimasto fuori dalla mostra organizzata da lui? E quando ha parcheggiato e la macchina vicino è andata in fiamme e poi è scoppiata anche la sua? E le follie di Fiori?”…

Carlotta frenquellucci e Gaia Martignoni Romanini

Foto: Andrea Lisi

Immerso nel verde, il ristorante Lago del Marano è il luogo ideale dove gustare piatti tipici romagnoli sfuggendo il caldo opprimente e il turismo rivierasco.

Seduti su panche di legno godiamo della vista e del refrigerio del lago mentre ci vengono serviti gli antipasti. Notevoli i crostini misti di pane toscano dell’entroterra farciti con verdure di stagione.

Tra le paste, tutte rigorosamente fatte in casa, ci lasciamo consigliare un bis composto da strozzapreti speck, radicchio rosso e pecorino e da deliziosi ravioli alle erbe profumate.

Nonostante fossimo già decisamente sazi, cediamo alla grigliata mista di costarelle, salsicce, castrato, pancetta e arrosticini. Sangiovese Superiore Vignalmonte del Podere Vecciano ad accompagnarci in questa piccola maratona culinaria che ha il suo culmine con l’assaggio del piccione ripieno, tra le specialità della casa. Non ci facciamo mancare il dessert, un mascarpone tradizionale da manuale.

Da sottolineare la cortesia e il servizio, per non parlare del conto, a dir poco onesto. Una serata davvero piacevole che ripeteremo prestissimo.

Inizio Agosto in Valmarecchia. Ci sono tutti gli elementi del vero happening: ospiti internazionali – soprattutto spagnoli – sponsor green economy, reading e prime assolute, performance danzanti, giovani alla riscoperta dei propri tratti idiomatici, D come donna, tetro per musica, arte in mostra e laboratori alla scoperta del futuro che si cela nelle rocce maestose di questo magnifico universo parallelo della provincia di Rimini. Per gli amanti del teatro: l’1 Agosto al Teatro Sociale di Novafeltria, la prima dello spettacolo Lascia l’amore di lato di José Sancis Sinisterra; il 3 Note di donne e il 6 Le piume di Niobe (Teatro Montefeltro), entrambi incentrati sul tema della donna. Il 7 in piazza a Novafeltria N-It /N-Es, evento di particolare rilievo, uno spettacolo/certame danzante che avvicina giovani interpreti di Novafeltria e ragazzi provenienti dal barrio Torre Barò di Barcellona, per parlare di creatività, classe sociale, comunicazione ed educazione. Per quanto riguarda la musica, segnaliamo L’Istrice (1 Agosto a Sartiano) gruppo musicale locale, non altolocato, che propone un’alternativa finalmente italiana e magari gradevole alla noiosa e bambocciona MTV (da notare anche lo spettacolo d’apertura, Note di Zolfo che appaia sasso e tecnologia, musica elettronica e La Banda dei Minatori di Perticara, elemento centocinquantenario e quasi mitologico della cultura autoctona marecchiese). Con Fahrenheit 450, progetto speciale pomeridiano, si vanno a tracciare, scrivendoli, i meccanismi dell’alternanza generazionale tra nonni e nipoti. Con Mirandolinae, spettacolo pseudo-Goldoniano, si commenta con sorprendente interesse il problema della trasmissione della tradizione teatrale Italiana in ambito internazionale e della sua trasposizione ad opera di attori stranieri. Il Valmarecchia Festival promette molte belle cose, insomma, insieme a un’occasione per riflettere sulla vocazione esterofila e rinnovatrice della cultura Italiana, che  spesso pesa, e non solo metaforicamente, più degli inamovibili sassi di basalto marecchiese sul futuro delle nostre terre, dense di coscienze popolari e inscindibili dalla materia, onnipresente e odierna, dell’antichità. Da vedere i dintorni, magari anche prendendosela comoda, per godersi il verde e il giallo dei paesaggi, quasi “marziani”, e per sentire lo stridere dei grilli che cambia di frequenza al passaggio dall’assolato pomeriggio alla notte. C’e la luna appena calante. Fino al 7 Agosto.

A Rivabella di Rimini il 10 agosto, San Lorenzo, è la notte dei desideri. Maurizio Argan e Giovanni Casadei firmano la direzione artistica di quest’evento che si snoda nei luoghi più singolari e suggestivi di Rivabella. “Quest’anno la notte dei desideri – ci informa Maurizio Argan – con sforzi economici enormi e con l’intenzione di dimostrare che i comitati turistici non sono solo “vino, ciambella e piadina”, oltre ad avere numerosi artisti nuovi e validi (il gruppo Guanti di Marco per esempio hanno vinto in questi giorni a Roma il premio della critica nella manifestazione Geometrie Sonore, festival per band emergenti) ha puntato su due ospiti d’onore: le dee della notte e resextensa”. Le dee della notte, ovvero le quattro brave attrici riminesi Chiara Cicognani, Damiana Bertozzi Fraternali, Camilla Fabbrizioli e Stefania Tamburini portano in scena un recital di poesie e testi sul desiderio, che spaziano da La tempesta di Shakespeare alle posie d’amore di Alda Merini, in un’atmosfera magica, creata dalla scena e dagli splendidi abiti stile ‘700 creati appositamente dalla stilista Raffaella Riccio. La Riccio vestirà anche Elisa Barucchieri e Anna Moscatelli, ovvero la compagnia rextensa di bari, che presenteranno Dos pezes, los dos, uno spettacolo sulle note sensuali del tango giudicato migliore performance dell’anno di danza in Norvegia. Resextensa hanno danzato nella cerimonia di apertura delle Olimpiadi invernali di Torino, aperto l’anno della cultura in Cina e sono state assistenti di Carloyn Carso e Susanne Linke.

Il mnemonista è un uomo che ricorda troppo. Troppi ricordi sono come troppe vite sovrapposte, come un’infinita serie di dissolvenze incrociate, di sovrimpressioni di immagini, livelli di pensiero che si intersecano.

Ricordare troppo può essere bellissimo, ma anche terrificante.

Ogni momento bello vissuto o da vivere accade con la stessa intensità in questo preciso momento, così come ogni ansia, paura, tristezza, proprio perchè qualsiasi frase sentita, profumo annusato o colore visto richiama alla mente moltitudini di pensieri ed emozioni, che ritornano non come ricordi imperfetti e offuscati, ma come visioni nitide e feroci. Ricordare e vivere diventa la stessa cosa.

Vivere non una, ma molte vite contemporaneamente dove ogni momento è collegato ad un altro, nel passato e nel futuro, come un enorme rizoma. Non esiste il presente, il tempo non è una linea che procede da sinistra verso destra, ma un insieme di piani geometrici bidimensionali ed infiniti, sovrapposti l’uno sull’altro.

Ricordare troppo alla fine equivale a non ricordare nulla, vivere in sovrimpressione troppe storie e troppi tempi diversi dove pensieri, sogni e ricordi sono la stessa cosa.

Piangere mentre si vede da vecchi lo stesso scarabeo visto da bambini un giorno che la mamma ci aveva sgridato, sorridere perchè tra tre giorni vedremo una ragazza carina, commuoversi e stupirsi di ritrovarsi vivi, adesso o tra mille anni, sfiorare questa verità profonda e tristissima che non si comprende, ma si intuisce:  tutta l’umanità nuda e sola di fronte al tempo e alla materia, con l’unico strumento che realmente possiede: il pensiero.

E allora finalmente trovarsi non a compiacersi, ma a lottare contro la propria memoria per non avere da ricordare alla fine più nulla, per abbandonare i ricordi, per arrivare, come dice Ghezzi, ad essere questo nulla, come se fosse un processo enciclopedico alla rovescia, e quindi tornare e risalire alla A e ancora oltre, dopo gli anelli di Saturno, oltre i quasar del linguaggio, sapendo che il nostro pensiero è, è stato e sarà una radiazione sempre più debole e lontana che forse si dissolverà non sapendo più cosa ama(va).

Esiste un sistema infallibile per rimanere eternamente giovani in Italia: è sufficiente cimentarsi con la scrittura, la musica o la cinematografia ed è garantito che fino a quarant’anni e oltre si verrà additati quali giovani scrittori, giovani cantautori, giovani registi.

I Clamidia sono un gruppo rock giovane, uno di quelli che sgomita per trovare spazio nel mercato musicale di oggi. Insieme a Morris Celli ed Antonio Morritti, rispettivamente voce e chitarra del gruppo riccionese, cerchiamo di capire quali siano le difficoltà per chi rincorre il sogno della musica e non si accontenta di suonare cover di Ligabue o dei Police davanti al pubblico indifferente delle birrerie.

“A dodici anni scrivevamo già le prime poesie ed eravamo appassionati di Cesare Pavese. Da lì la musica è venuta per istinto: da subito abbiamo deciso di lavorare solo su pezzi nostri, abbiamo registrato alcune demo e partecipato a vari concorsi nazionali tra i quali Rock Targato Italia, nel tempo però abbiamo smesso di iscriverci ai concorsi perché ci siamo resi conto che non portano a niente.”

E intanto avete già pubblicato un album

“Si intitola La prima guerra cinese dell’oppio è un tributo alle dipendenze umane, morali e immorali. Siamo andati a scavare tra le determinanti della quotidianità della persona, dalle più semplici alle più complesse.  Le registrazioni sono durate un anno, abbiamo sperimentato davvero tanto in studio, ma siamo contenti del risultato. “

Perché non avete scelto di essere una cover-band? Fareste molti più concerti…

“Preferiamo suonare poco ma cose nostre. Non ci interessa andare al pub a prendere 50 euro per suonare pezzi di Ligabue, la musica è la parte più bella della nostra vita e quindi preferiamo fare ciò che ci piace.”

Per colpa di internet i dischi non si vendono più però è molto più facile produrre musica e farsi conoscere

“È bello che tutti abbiamo la possibilità di incidere e farsi conoscere, però ciò crea un marasma di gente che suona a tutti i livelli. Anche le case discografiche sono colpevoli di quello che è successo, hanno pubblicato troppi dischi in cui sì e no si trova un pezzo decente e il resto è da buttare. Un po’ come accade nelle trasmissioni televisive pseudo-musicali in cui vengono costruiti gruppi per essere carne da macello, spremerli e farli scomparire in pochi mesi.”

Cosa serve allora per distinguersi?

“Abbiamo bisogna di suonare, del passaparola. Il problema è che i locali sono pochi, le agenzie lavorano con nomi già affermati e gruppi come il nostro devono aspettare l’occasione giusta che non è detto ci sia. Noi continuiamo perché ci crediamo e abbiamo voglia di farlo e finché c’è la voglia ci accontentiamo anche dei pochi concerti che facciamo.”

Quest’anno gli appuntamenti della Sagra Musicale Malatestiana si aprono con una rubrica dedicata al grande compositore di Lipsia. Il primo concerto il 4 agosto al Teatro degli Atti (ore 21.30) ospita i musicisti dell’Ensemble Pian e Forte. Fa strano pensare che a suo tempo, cioè nel mille e settecento, il nome Bach fosse associato non allo sconosciuto Johann Sebastian, ma al più celebre figlio, Carl Philip Emanuel (per gli amici “C.P.E”) un compositore che Beethoven ossequiava con l’appellativo di Romantico(!). E forse sarebbe bene ricordare che nel Settecento la musica strumentale era in fondo un sottogenere a basso costo della opulenta e sboccacciata Opera Italiana, quella che la cultura nord Europea, e anche Bach stesso, ci invidiava e ci copiava. Ne è passata di acqua sotto i ponti e anche di musica nelle ugole dei migliori canterini nostrani da quei tempi così estranei al e anche, se vogliamo, un po’ parrucconi. Ma è dagli anni ‘80 che il rinnovo della cosiddetta ‘prassi esecutiva’ o della ‘esecuzione autentica’ promette di aver riallacciato le corde di un sipario che da tempo era stato calato sull’espressività, sul modo di vivere il tempo e di concepire i suoni che signoreggiava nella musica del Seicento e del Settecento. C’è quindi da sperare che anche a Rimini sia tornato a vivere lo spirito della musica barocca e di non doversi mettere ad ascoltare la solita monotona riesecuzione di grandi brani del Maestro, atta a pacificare l’avvizzito spirito critico dei discofili più severi. Antonio Frigè, direttore di Pian e Forte ci parla della sua esperienza come esecutore di musica antica su strumenti dell’epoca e ci dà un assaggio della musica in programma per concerto di apertura.

Come è nato il vostro gruppo?

«Io e Gabriele Cassone suonavamo in duo già dal lontano 1982, io l’organo e lui la tromba: come si può immaginare un repertorio davvero ridotto! Volevamo riuscire ad eseguire musica per tromba e organo in tutte le sue configurazioni e composizioni più svariate e così, dopo i primi anni, abbiamo sentito l’esigenza di allargarci e di fondare Pian e Forte, includendo nel nostro organico anche un quintetto d’archi e la voce quando ce n’era bisogno. Come accadeva nel periodo barocco, il numero degli strumentisti è variabile e viene adattato molto spontaneamente a seconda dei repetori».

Come avete messo insieme il programma che suonerete per la Sagra?

Quando ci hanno chiesto di fare solo Bach siamo rimasti un po’ disorientati: con un organico così ridotto non è stato semplice. Abbiamo puntato subito sui cosiddetti cavalli di battaglia come la cantata BWV 51, ma anche su pezzi più insospettabili come un’aria per soprano e la tromba da caccia. Siamo riusciti a includere gli unici due brani del repertorio bachiano che prevedessero la sola tromba e il soprano – vale a dire senza il supporto del coro o di altri strumenti.

Che tipo di approccio usate nel suonare con tecnologie e su strumenti così antichi, rispetto, per esempio, agli standard usati nella musica classica tradizionale?

L’uso degli strumenti antichi (che molto spesso vengono riprodotti esattamente da esemplari unici) e la lettura dei manuali dell’epoca ci portano non tanto a cercare il modo in cui si suonavano e si ascoltavano realmente queste musiche, ma ad attualizzarlo e a ricrearlo in base alle esigenze contemporanee. La concezione del tempo che abbiamo noi è indelebilmente diversa da quella che avevano trecento anni fa: la creatività e lo studio aiutano non poco a ricostruire la prassi esecutiva antica, con l’intento di rendere udibile e di fare arrivare lo spirito che queste musiche un tempo avevano. La tromba ‘naturale’ è sicuramente lo strumento più diverso rispetto alla controparte odierna, ha una sonorità molto ridotta e quindi tutto il modo di suonare dell’orchestra va ricalibrato.

Si può dire che Bach osservasse moltissimo e amasse la musica Italiana dell’epoca. Nel recuperare i fili di questa interculturalità archeologica, tra Italia e Germania del Settecento, che ruolo gioca il senso estetico nostrano?

Ci sono diverse scuole di esecuzione. Gli Olandesi per esempio sono molto severi e non lasciano trapelare niente di eccessivamente emozionale. Noi Italiani, al contrario, tendiamo a dare la nostra impronta mediterranea, recuperando abbellimenti e modi di improvvisare che sono da sempre tipici del nostro atteggiamento musicale. Se pensiamo alle esecuzioni di vent’anni fa dei gruppi olandesi, ma anche di quelli inglesi, che da un lato ci hanno aperto gli occhi, le troviamo in un certo senso molto algide e distaccate. Sicuramente Bach era affascinato dalla musica nostra, soprattutto sotto il punto di vista compositivo. La Triosonata del programma fu pensata da Bach sulla formula del concerto italiano. L’Adagio del Concerto in Fa minore, per esempio, si apre con una dolcezza e una cantabilità interamente italiana. E tuttavia anche osservando la musica nella sua complessità si scorge una severità che non lascia molto spazio al libero arbitrio.

Al di là delle considerazioni sullo stile, come pensa che il pubblico non esperto, di giovani o magari semplicemente di curiosi, possa relazionarsi a una musica pensata per un’audience così temporalmente diversa?

Io penso che sia assolutamente possibile ascoltare la musica storica e relazionarcisi. Diciamo che la riscoperta della prassi esecutiva antica ha reso più piacevole l’ascolto. Anche un compositore come Bach, in versioni seppur pregiatissime come quelle orchestrali di Herbert von Karajan, era fino a poco tempo fa ascoltato solo da super appassionati. Oggi si riescono ad apprezzare invece musiche anche a un livello più viscerale, proprio perchè sono suonate in maniera molto più udibile e fruibile. Vivaldi, per esempio – che a suo tempo era famoso soprattutto come operista e non come compositore strumentale – è al centro di un grosso revival e si stanno cominciando a ricopiare e a suonare anche quelle opere che erano state dimenticate, proprio perchè questo modo di suonare le ha rese più accessibili e piacevoli.

Feste, festini, cocktail e brunch. Quando il portafoglio comincia ad assottigliarsi è ora di tirare i remi in barca. O meglio, in casa. Sì perché l’estate è ancora lunga e stare con gli amici davanti a due piatti di carta e due bicchieri di plastica, sudaticci e un po’ alticci, non è proprio un gran bel piano. Ma ricevere, del resto donna Letizia docet, può rivelare abilità insospettabili. Così con fantasia e piccole nozioni di bricolage possiamo trasformare il nostro cortile o terrazzo vestendolo a festa. Con l’aiuto dell’interior designer e architetto riminese Alessia Gattei, abbiamo passato in rassegna alcune astuzie. Unico leitmotiv il basso costo e possibilmente recuperando ciò che già è presente in casa. “Partiamo dalle sedute: di solito basta cambiare il tessuto. Tripoline, regista, sdraio, possono trasformarsi sostituendo la stoffa macchiata e ingiallita con colori fluo o sgargianti, rigati o pois. Una verniciata per lucidare il legno ed è fatta”. Una festa che si rispetti deve avere un tavolo centro di convivialità. E come fare per spendere poco? “Si possono prendere due cavalletti – spiega Alessia – appoggiare sopra due assi in legno da cantiere, fissarli, e ricoprirli con una tovaglia cerata allegra, ne esistono un’infinità e sono vendute al metro”. Finita l’estate si leva e si mette in cantina. Se si hanno molti ospiti e le sedie non sono abbastanza, si può tentare la fortuna e cercare una panchina nei mercatini dell’usato. Qui si trova di tutto, perfino vecchi arredi dei giardini pubblici. E chi si trova uno spazio aperto sguarnito di tutto e deve arrangiare un pergolato in poco tempo? “La soluzione più veloce ed economica è montare un telaio della grandezza desiderata e ricoprirlo con delle pagliarelle che fanno molto chiringuito”. Se si ha la fortuna di aver da poco terminato di rifare il parquet, si possono riutilizzare le assi rimaste per creare una griglia su cui far crescere selvaggiamente i rampicanti, molto più chic del solito reticolato. Per l’illuminazione, via libera. “Ci sono sul mercato lanternine, segnapasso, a dieci euro, ma anche le candele sono sempre un’ottima soluzione”. Il giardino o la terrazza, come del resto la casa, dovrà rispecchiare il padrone, “quindi – sottolinea l’interior designer – dovrà mostrare una certa personalità, anche ponendovi oggetti da interno, come lampade vintage o quant’altro di spiritoso, l’importante è che si eviti di ricalcare l’international style, asettico e omologato, dai bar ai negozi di parrucchiera”.

Ripercorrere la vita artistica di Complotto Grafico è come calarsi nella New York della Factory di Andy Warhol, fra gli anni settanta e i primi anni ottanta. Se si cerca tra i ricordi di un passato recente per restituire le testimonianze dei protagonisti che hanno condiviso le esperienze della Rimini underground anni ottanta, evocandone l’atmosfera postmoderna, l’approdo è l’arte visiva di Complotto Grafico. Il nome Complotto Grafico deriva da “Great Complot of Pordenone”, un gruppo musicale di Pordenone citato su un numero del 1981 della rivista bolognese Frigidaire. Il marchio rappresenta un’idea di dinamismo: la vitalità della spirale e l’incisività della freccia simboleggiano lo spirito forte, deciso, energico con cui si affrontano i problemi; la presenza del mare richiamata dalla pinna o vela è il simbolo di una visione morbida e elastica, sicuramente balneare. Ciò che Complotto Grafico si proponeva di fare a Rimini era abbastanza simile a ciò che stava succedendo in altre capitali del mondo, dove al punk si stava sostituendo la cultura new wave. La differenza sostanziale però è che i creativi di Complotto Grafico agivano da “romagnoli”, consapevoli della loro specificità di abitanti della riviera. Stefano Campana, Maurizio Castelvetro, Giovanni Tommaso Garattoni e Massimiliano Sirotti, Stefano Ferroni e Sauro Fiori, nucleo del Complotto, hanno lavorato insieme dal 1982 al 1986. Si occupavano fondamentalmente di grafica, arredo e realizzavano operazioni culturali come mostre, performance e happening. Progettavano utilizzando consapevolmente e ironicamente pratiche come la simulazione, l’appropriazione, il riciclaggio, la reinterpretazione. Il punto nodale che rivela questo sovrapporsi di somiglianze internazionali e specificità distintive è stata la mostra Design Balneare curata da Marcello Di Bella, spunto per riflettere sul concetto di cultura balneare proponendo progetti di design, architettura e arte rivolti al futuro. Questi creativi poco più che ventenni erano i figli della cultura che appartiene alla Romagna: se Complotto aveva visioni extraterritoriali e connessioni internazionali perché viaggiava o per un proprio bagaglio culturale, il background è sicuramente il contesto romagnolo, caratterizzato da immaginari diversi rispetto a quelli che appartengono a chi abita in una grande metropoli. Complotto Grafico aveva un’enorme urgenza di comunicare e la sua voglia di esagerare nasceva da un lato dall’esigenza di esprimersi, dall’altro dalla volontà di far conoscere l’interesse per alcuni riferimenti formali specifici: gli anni trenta, l’Art deco, il futurismo e il costruttivismo. I lavori di Complotto erano attraversati da tante contaminazioni temporali e culturali, e del resto in locali come lo Slego si mescolavano tante subculture giovanili che “convivono pressoché pacificamente”: punk, rockabilly, mods, dark, hip hop. La parola chiave di Complotto Grafico era apertura culturale, che significa giocare con la comunicazione. Con un atteggiamento bohémien, sosteneva di non poter attribuire uno stile preciso ai propri lavori, unico filo conduttore l’energia creativa. Complotto Grafico si occupava di arte visiva e musica, recuperando i generi passati, risemantizzandoli, con un atteggiamento creativo ironico e libero. Il più delle volte mischiava generi completamente diversi, senza applicare alcuna esplicita logica semantica, accostando mondi tra loro incongruenti. La creatività di Complotto Grafico si distingueva dalla massa, perché si propone come sfida e sperimentazione. È stato il primo caso di creativi che hanno creato un’immagine coordinata per le discoteche: Complotto si occupava della grafica, del design, del look, della musica dello Slego, del Vidia, dell’Aleph, dell’Insomnia. Complotto Grafico assumeva la direzione artistica di questi club; attirava l’attenzione su di sé, per poi assumere un atteggiamento imprenditoriale alimentando il progetto di costruzione di un’immagine coordinata: dalla locandina, al manifesto, ai flyers, alla tessera d’entrata, dall’arredamento interno alla musica. Il concetto d’ironia è interpretato come uno stile di vita: l’arte di Complotto Grafico nasceva dal divertimento. Complotto Grafico giocava con la cultura balneare e la propria tradizione d’appartenenza, utilizzava i propri idoli senza volerli imitare o mitizzare, scherzava con i riferimenti storici frantumandoli e ricomponendoli in modo inedito, con disincanto, senza la pretesa di raggiungere nuovi canoni.

Gaia Martignoni Romanini

E’ un progetto del tutto nuovo quello che il Comune di Morciano di Romagna, borgo dell’entroterra riminese, si appresta ad organizzare: una manifestazione estiva, dal taglio culturale, che si ispira all’Avanguardia Futurista, movimento artistico caratterizzante per la città. Morciano dedica infatti una straordinaria tre giorni dal titolo “FU.MO Fu.turismo Mo.rcianese” – dal 31 luglio al 1 agosto – al pittore Umberto Boccioni i cui genitori erano morcianesi: Raffaele Boccioni, usciere di prefettura e Cecilia Forlani, sarta.

Il pittore futurista, nato a Reggio Calabria nel 1882, era romagnolo non solo per le sue origini, ma per le evidenti caratteristiche acquisite nell’ambito familiare dove le usanze, la cultura e la parlata erano tutte morcianesi e rimasero inalterate in lui, nonostante i lunghi periodi trascorsi nelle varie città italiane. “Egli non era romagnolo di nascita ma pochi avevano caratteristiche romagnole come lui e lui si vantava di averle! Poi è giusto e bello che Morciano lo consideri un suo concittadino perché lì ha avuto origini, perché lì sono nati i suoi genitori”. Si legge in una lettera scritta dalla sorella Amelia alla zia morcianese Clarice.

Morciano di Romagna pertanto intende rendere omaggio al noto artista con un evento dedicato al Futurismo e in particolare modo, per l’edizione 2010, alla città futurista. L’originale titolo della kermesse, FU.MO Fu.turismo Mo.rcianese, si deve al direttore artistico Sonia Vico che si è ispirata all’avanguardia e all’originalità dei suoi artefici, famosi per essere rivoluzionari e provocatori.

Proiezioni visive, artisti di strada e figuranti, tutto in chiave dinamica e spettacolare: Morciano di Romagna, il 30 e 31 luglio e domenica 1 agosto dalle 21 in poi sarà animato da straordinari spettacoli, alcuni dei quali rappresentati per la prima volta nel territorio riminese.

Sarà tutto il paese ad essere coinvolto con vetrine a tema, bar, ristoranti, forni, gastronomie, pasticcerie, parrucchiere ed estetiste che usciranno in strada dando vita a veri e propri salotti che qualificheranno le attività commerciali insieme ad espositori, rigorosamente selezionati, per divenire anche loro protagonisti della festa. Ed ancora giochi di luce e colori, eventi, iniziative di poesia, musica, danza e giocoleria.

Inoltre in ricordo di Boccioni sarà  ricreato il quartiere degli artisti: pittori, scultori, installatori, writers in azione durante la festa ed aree attrezzate per disegnare, colorare e divertirsi in nome dell‘avanguardia artistica. Mercatino d’arte e d’artigianato, espositori ed esposizioni ‘futuriste’ e menù a tema con le specialità romagnole con un tocco futurista, tra cui non mancherà la cena bendata con teatro alla carta.

Morciano si presenterà dunque come un paese addobbato a festa che permetterà di scoprire i temi salienti dell’avanguardia: l’esplosione dei rumori e dei suoni, il mito dell’automobile e dell’aeroplano e lo sprezzo per il pericolo attraverso acrobazie aeree e giocoleria. Arriverà addirittura un circo con il sapore d‘altri tempi ma pieno di valori aperti verso il futuro, con una scenografia impreziosita da autentici pezzi di collezionismo d‘epoca…

Così come saranno di grande impatto le danze verticali che sfideranno la gravità usando come palcoscenico lo spazio “vuoto”, la dimensione aerea e le forme del paesaggio. È così che un nuovo punto di vista, inaspettato ed insolito, una nuova prospettiva visiva e cinetica, saranno proposte al pubblico che vedrà trasformarsi l’ambiente in figure, visioni, forme via via differenti.

E poi ancora: giochi futuristi, installazioni rumorose, concerti, balletti e tanto altro. Il tutto guidato da un protagonista d’eccezione: Filippo Tommaso Marinetti…

Ingresso libero – programma completo su: www.morciano.it